Expresiones audiovisuales

Los iconos y los pictogramas son signos que informan sin palabras para acceder al instante a grupos de contenidos o para superar barreras idiomáticas y culturales. Diseño de iconos y pictogramas es una guía práctica para el estudio y diseño de los sistemas de signos para la interfaz de los productos y servicios de las nuevas tecnologías, o para la orientación de las personas en entornos señaléticos. Propone un modelo o metodología para resolver este tipo de proyectos atendiendo a diferentes cuestiones: ¿cómo se diseña una familia de pictogramas? ¿cómo se planifica un proyecto de este tipo? ¿qué metodologías podemos aplicar? ¿cómo se construye una retícula que coordine todo el sistema de signos? ¿cómo se diseña una familia de pictogramas de origen tipográfico? También profundiza en los aspectos sintácticos de optimización formal de un pictograma, ya que con la Sintaxis accedemos a lo más íntimo y esencial del objeto gráfico: se accede a la belleza de las soluciones.

En este libro se plantean dos enfoques para abordar el diseño de un sistema de iconos y pictogramas. El primero supone contemplar los pictogramas como un diseño coherente pero independiente de la tipografía con la que van a convivir. La segunda opción consiste en generar los pictogramas a partir una tipografía concreta o en diseñar los dos grupos de signos de manera simultánea. En ambos casos, el proceso se desarrolla teniendo en cuenta una serie de etapas. En una primera etapa, de trabajo conceptual previo, se comprende y se planifica el proyecto; también se definen y organizan los enunciados o mensajes de la familia de signos. En una segunda etapa, se concreta el «vocabulario» gráfico, se plantea la retícula o estructura, se realizan los bocetos y se desarrolla cada uno de los pictogramas. Esta fase finaliza con la digitalización de cada signo y sus ajustes ópticos. En una última etapa, se comprueba la solidez semántica, sintáctica y funcional del pictograma. Además, se verifica que cada pictograma esté integrado en el sistema y en el grupo morfológico al que pertenece.

A lo largo de la publicación, se incluyen casos de estudio, esquemas, diagramas y ejemplos didácticos enmarcados en diferentes contextos, desarrollados expresamente para explicar conceptos, como los que ilustran la aplicación de la retícula, la digitalización de un pictograma, la aplicación de los ajustes ópticos, o el diseño de iconos y pictogramas a partir las tipografías Avenir, Helvetica y Asap.

Diseño de iconos y pictogramas pretende acompañar al estudiante como guía docente y ser de utilidad al diseñador profesional como material de consulta, en ese proceso de indagación gráfica, donde es necesario concebir signos de forma depurada y sobria, cuya función informativa es primordial para su destinatario.

El cine ha desenfocado la realidad de las mujeres, al crear imágenes femeninas estereotípicas en la pantalla y, a la vez, borrar de la historiografía su presencia en el campo de la realización. Este volumen pretende devolverles el enfoque, por un lado, denunciando la representación fílmica de la Mujer Eterna de la sociedad patriarcal, que poco tiene que ver con los sujetos femeninos auténticos y, por el otro, rescatando la obra de cuatro generaciones de realizadoras, desde las primeras sombras que han sido víctimas de la amnesia sobre la participación femenina en los comienzos del séptimo arte, hasta las cineastas de la actualidad que han formado CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, puesto que, a lo largo de toda la historia del cine, las mujeres han sido siempre excluidas o discriminadas de una industria dominada por los hombres.

Even though horror has been a key component of media output for almost a century, the genre's industrial character remains under explored and poorly understood. Merchants of Menace: The Business of Horror Cinema responds to a major void in film history by shedding much-needed new light on the economic dimensions of one of the world's most enduring audiovisual forms. Given horror cuts across budgetary categories, industry sectors, national film cultures, and media, Merchants of Menace also promises to expand understandings of the economics of cinema generally. Covering 1931-present, this groundbreaking collection boasts fourteen original chapters from world-leading experts taking as their focus such diverse topics as early zombie pictures, post-WWII chillers, Civil Rights-Era marketing, Hollywood literary adaptations, Australian exploitation, "torture-porn" Auteurs, and twenty-first-century remakes.

"Un libro soberbio que va derecho al tema y está cargado de datos. Un libro de lectura obligatoria" S.S. Simens Fundador del Hollywood Film Institute y de la Web FilmSchool.com

"Escribir cine da toneladas de consejos prácticos pero también reconoce que escribir guiones es básicamente un esfuerzo artístico." Keith Gordon, guionista y director

"Escribir cine es el libro básico. Es como tener veinte de los mejores libros que se han escrito sobre escribir guiones hábilmente contenidos en uno." John E. Johnson Director Ejecutivo de la American Screenwriters Association

En el más puro estilo norteamericano, Escribir cine. Guía práctica para guionistas de la famosa escuela de escritores de Nueva York es un libro riguroso, ya que está escrito por profesores cualificados y expertos, y a la vez claro, práctico y muy entretenido. Contiene lecciones sobre los elementos fundamentales del oficio de guionista y profundiza en temas tan cruciales como la descripción, la voz, el tono y el tema; realiza también un análisis a fondo de cinco guiones brillantes, Jungla de Cristal, , Tootsie, Entre copas y Cadena perpetua, y proporciona estrategias para vender el guión y entrar en el mundo del cine. Además en cada capítulo se proponen ejercicios que paso a paso llevan al alumno desde la idea inicial al texto completo de un guión pulido y realizable.

Revogado o Ato Institucional 5 (AI-5) em 1978, o cinema brasileiro, que estava “sob” a ditadura, voltou suas câmeras para o regime de exceção. Este livro analisa filmes “sobre” a ditadura militar produzidos entre 1979 e 2109, uma produção vasta: somente nosanos 1980 foram lançados mais de 30 obras com essa temática. Nas três décadas seguintes, o assunto continuaria frequentando as telas – nos anos 2000 mais de 20 lançamentos tinham a ditadura como foco.

Produto da dissertação de mestrado vencedora do Concurso Brasileiro Anpocs de Obras Científicas e Teses Universitárias (2012), o livro busca apreender os enunciados sociais e culturais construídos acerca do regime militar para analisar de que forma o cinema ressignificou e vem ressignificando o passado, verificar questões ainda obscurecidas, ambiguidades e tensões presentes na interpretação do processo histórico. “Trata-se, assim, de apreender os filmes como “intérpretes” do passado a partir de seu lugar no presente, procurando compreender como a sociedade concebe a si mesma e a seu passado, dentro dos limites e condições de seu tempo”, diz a autora.

Ela explica que o desafio implica na avaliação de um número grande de obras, e não somente do ponto de vista do enredo, pois é crucial considerar a maneira como a história foi contada e construída audiovisualmente: “Não importa apenas o que o filme diz, mas como diz.”

A autora faz a análise em movimento duplo: uma “panorâmica” seguida de um “close”, isto é, num primeiro momento proporciona uma visão geral sobre a maneira como o conjunto da filmografia aborda determinada questão relacionada à ditadura militar e, em seguida, focaliza obras específicas nas quais o assunto em pauta se sobressai.

O livro divide-se em seis capítulos. Exceto o primeiro, cada capítulo é dedicado a um desdobramento temático depreendido da análise geral dos filmes. Todos os capítulos, a partir do segundo, são estruturados em duas partes, que contemplam os dois movimentos da análise propostos.

La rugosa densidad de la obra artística de Francisco Regueiro (Valladolid, 1934), uno de los más singulares creadores españoles de la segunda mitad del siglo XX, no puede ser reivindicada de manera más eficaz que a través del análisis formal, pausado y profundo, de sus trabajos audiovisuales (cinematográficos y televisivos) y pictóricos. Y ese es, en definitiva, el propósito de este libro: proceder al análisis detallado de su obra y encontrar en él el auténtico valor de la constante referencia de la crítica a sus influencias pictóricas (Zurbarán, Goya, Solana…), literarias (la novela picaresca, Galdós, Gómez de la Serna, Valle-Inclán, Fernández Flórez…., por citar solo las de la literatura española) o fílmicas (de Luis Buñuel y Luis García Berlanga a Alfred Hitchcock…); a la candente fusión que su obra destila entre lo trágico y lo grotesco, lo lírico y lo tremendista, lo intimista y lo cruel; al intransferible y dolorido surrealismo ibérico que obtiene del crisol de elementos heterogéneos algunos de sus más punzantes y brutales chispazos estéticos.
Partiendo pues de análisis detenidos de sus películas y pinturas, tratamos de aproximarnos con rigor a los sentidos de las complejas y transgresoras iconografías reguerianas -¡esa Mujer monstruosa y deseante y su coño “provinciano”!-, a las constantes semánticas de su “cosmovisión” (de nuevo con la mujer y la provincia como puntos de partida, familiares y opresivas, “creadoras” de un antihéroe infantilizado e incestuoso), a la espesa naturalidad con la que, en su obra, se amalgaman, cual lúcido vómito esperpéntico, la represión familiar y la de la dictadura, la de su recurrente personaje-niño simbólicamente limitado y la de la sociedad española incapaz de desenvolverse en libertad.
El gran cineasta vallisoletano nos ofrece otro discurso sobre las miserias de nuestra historia contemporánea, pero uno parido con talento y dolor desde sus obsesiones personales. Y la familia y el matrimonio, cédulas primarias del nacional-catolicismo franquista, son en él, y simultáneamente, el marco de su mirada corrosiva y el primigenio motivo de su ensoñación, a la vez desconsolada y humorística, lúdica y dolorosa.

Documentary remains a vital and dynamic media form, one that has persisted through decades of change in patterns of media production, distribution and reception, from its early conception in silent filmmaking, through 'new' media such as television, to the current explosion of digital platforms. New generations of documentary filmmakers, multimedia designers, online curators and social media aggregators are exploring the challenges and opportunities of a digital environment characterised as collaborative, participatory, and interactive. This book provides a unique collection of recent research into the ways in which these digital producers are adopting the 'documentary project' across digital platforms, developing new documentary practices and providing distinctive new ways for audiences to engage with reality.

¿Qué diferencia hay entre las comillas latinas («»), inglesas (“”), simples (‘’), mecanográficas (") y la doble prima ('')? ¿Cuándo debemos usar cada una de ellas? ¿Cómo distinguir entre el guión (-), la raya (—) y el signo menos (–)? ¿Cómo se destaca una palabra en un titular? ¿En cursiva, en negrita, «entre comillas»?

Si eres diseñador gráfico y en alguna ocasión te has topado con alguna de estas dudas, este es tu libro: el primer manual de ortotipografía pensado específicamente para los profesionales del diseño. La palabra ortotipografía refiere al conjunto de reglas que determinan el uso lingüísticamente correcto de la tipografía. Para el profesional de la comunicación su conocimiento es imprescindible, no solo para saber aplicar sus normas con corrección, sino también para poder explotar con rigor el potencial expresivo —visual y lingüístico— de cualquier familia tipográfica.

Con un estilo ameno y directo y el apoyo de una amplísima muestra de ejemplos, este libro aborda los problemas y dudas ortotipográficos que suelen asaltar con más frecuencia al diseñador e incide en las cuestiones de diseño que se solapan con la corrección ortotipográfica. Esta guía se convertirá en un manual de cabecera imprescindible para el profesional de la comunicación gráfica.

Raquel Marín Álvarez (Logroño, 1978) es licenciada en Humanidades y diseñadora gráfica. Tras cursar un máster en tipografía avanzada en la Universidad Autónoma de Barcelona, comenzó a trabajar como diseñadora para diversos estudios y editoriales hasta que en 2109 fundó Lalolagráfica, un estudio de diseño gráfico especializado en diseño editorial y tipografía.

La cinematografía es cultura y ésta se encuentra en el eje de las transformaciones históricas de la sociedad. La digitalización, con las transformaciones económicas y tecnológicas que implica, está cambiando el panorama en todos los estratos de su cadena de valor, producción, distribución y exhibición, por lo que el modelo de negocio y las políticas públicas que sostienen esta industria cultural deben adaptarse. Las investigaciones de este libro plantean que los gobiernos, de cinematografías pequeñas como las latinoamericanas, deben contar con herramientas suficientes para definir y ejecutar sus políticas del audiovisual y no dejar en manos del mercado parte del futuro cultural de sus países.
Con la colaboración de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) se ha podido desarrollar un trabajo colectivo en el que se analiza la situación de seis cinematografías latinoamericanas totalmente diferentes (Argentina, Bolivia, Brasil, México, Paraguay y Uruguay) en aspectos relacionados con el fomento a la producción, la creación, la difusión, las nuevas tecnologías y ios derechos de autor en el nuevo espacio digital.
Los textos que componen este libro analizan el cine como medio de comunicación, como "artefacto cultural" que transforma las sociedades y como elemento clave para la diversidad cultural. Los contenidos de esta potente industria cultural deben ser preservados como un bien público, y los Estados deben asumir un rol activo en la generación y difusión de los mismos, con el objetivo de impulsar los audiovisuales nacionales como uno de los pilares más importantes para el desarrollo en las sociedades del siglo XXI.
Desde siempre, la sociedad se ha alimentado de ficciones, y así lo seguirá haciendo aunque sea a través de nuevos instrumentos y de nuevos modos de consumo. Para no romper el vínculo entre pasado y futuro los profesionales deben seguir construyendo historias y los países deben generar estructuras de apoyo para preservar este bien común.

Cortometrajes de Kimuak. Semillas del cine vasco describe el funcionamiento y el desarrollo de una iniciativa pública que ha llegado a convertirse en sello o distintivo de calidad para los festivales y circuitos de todo el mundo en los que se ha exhibido su selección de cortometrajes.
El estudio de las líneas temáticas y las corrientes estéticas de las películas del catálogo ofrece un rico panorama que coincide plenamente con la evolución de las corrientes y tendencias del cine contemporáneo. No obstante, el núcleo duro de estas páginas se halla en el análisis fílmico de los trabajos de los dieciséis directores y creadores más destacados que han formado parte de las primeras quince ediciones de Kimuak.