Expresiones audiovisuales

La precisión y la fluidez del montaje o la edición son cruciales para el éxito de cualquier producto audiovisual, aunque la reciente efervescencia tecnológica hace que, a menudo, se valore más la pericia operativa que el talento creador. Esto puede hacer que nos olvidemos de sus importantes aportes a la narrativa, dramaturgia y expresividad de una ficción, noticia, spot, o de los nuevos formatos para web, móviles o tablets. Todos estos aspectos se abordan en el presente libro, que combina la parte teórica y técnica fundamental, con el análisis práctico debidamente ilustrado de programas recientes. También se incluye un apartado donde se presenta un panorama actual de las diferentes corrientes experimentales dedicadas a medir los efectos perceptivos, cognitivos y emocionales del montaje. Este manual va dirigido a estudiantes de comunicación y profesionales que desean actualizarse en esta fase capital de la realización de cine y vídeo.

Este libro puede resultarle al lector desconcertante, y así debería ser si se pretendiera una lectura cronológica que respetase las relaciones de causa-consecuencia tan establecidas en la vida y el arte hasta la llegada de la manida etiqueta de “modernidad”. No se ha pretendido, desde luego, construir un texto ilegible; todo lo contrario, lo que se busca es su máxima legibilidad pero desde diversas perspectivas y aproximaciones, lo cual posibilita que el lector cabalgue cual western clásico tanto por las praderas como por la intimidad de las viejas cabañas esteparias: en resumidas cuentas, el orden y estructura del texto son rizomáticos; la lectura, pues, necesariamente transversal. Anclados aquí y allá los datos necesarios para una oportuna contextualización, se reivindica, sobre todo, una lectura amplia de los filmes que los conecte con su espacio discursivo (el mundo, la historia) y metadiscursivo (el cine). De ahí que pueda haber –o parecer que haya– cierta deriva que en realidad solamente intenta cubrir las asperezas mediante una sucesión de puntos de anclaje.

La idea es conectar ambos filmes, Million Dollar Baby y True Grit, allá donde los puntos de contacto incorporen un plus de sentido, para desconectarlos allá donde se sirvan otros intereses; la idea, finalmente, es analizar los filmes y reflexionar sobre ellos desde diferentes puntos de vista a través de una autoría plenamente compartida. Sin embargo, este diálogo podría entenderse como forzado si no fuera por el convencimiento de que la concepción cinematográfica de Clint Eastwood y los Hermanos Coen está impregnada por una cultura común que tiene que ver con el cine y con la vida. Porque lo que el cine de estos realizadores respira es la vida y nada más (sentencia que tomamos prestada del título del film de Bertrand Tavernier La vie et rien d´autre, 1989).

Iván Bort Gual (Castellón, 1982) es doctor en Ciencias de la Comunicación por la Universitat Jaume I de Castellón, licenciado en Comunicación Audiovisual y en Publicidad y Relaciones Públicas. Máster Oficial en Nuevas Tendencias y Procesos en Comunicación, especialidad en Periodismo Digital y Multimedia, ha defendido en este curso académico su tesis doctoral bajo el título Nuevos paradigmas en los telones del relato audiovisual contemporáneo: partículas narrativas de apertura y cierre en las series de televisión dramáticas norteamericanas, como becario de investigación de la Generalitat Valenciana en el Departamento de Ciencias de la Comunicación de la Universitat Jaume I de Castellón, donde imparte docencia en Narrativa Audiovisual II (Análisis de textos audiovisuales). Miembro del Consejo de Redacción de L’Atalante: revista de estudios cinematográficos, es la voz del cine en el programa radiofónico A vivir que son dos días Castellón de la Cadena Ser. [web personal: ivanbortgual.com]

Francisco Javier Gómez Tarín es Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat de València. Profesor Titular de Narrativa Audiovisual en la Universitat Jaume I y Director de la Revista Archivos de la Filmoteca. Ha publicado monografías sobre Arrebato (2101), A bout de souffle (2006)y Deseando amar (2012). Su tesis doctoral, Lo ausente como discurso: elipsis y fuera de campo en el texto cinematográfico, está editada por la Universitat de València (2003).

Ha publicado los libros Más allá de las sombras: Lo ausente en el discurso fílmico desde los orígenes al declive del clasicismo (18950949), Discursos de la ausencia: elipsis y fuera de campo en el texto fílmico (2006), Wong Kar-wai (2008), El guión audiovisual y el trabajo del guionista (2009), El análisis de textos audiovisuales (2010), y Elementos de Narrativa Audiovisual (2011). Ha coordinado diversos volúmenes, participado en múltiples libros colectivos y escrito numerosos artículos en revistas y actas de congresos. Con experiencia en guión, montaje y dirección, ha sido fundador de los colectivos cinematográficos ACIC y YAIZA BORGES.

The Fundamentals of Interactive Design, by Michael Salmond and Gavin Ambrose, introduces the essential areas of digital design. It examines the workflow of creating and exporting design across multiple media platforms.

The book is for designers who have never worked within the interactive medium as well as those who have some digital knowledge but are looking for application across a wider spectrum. It is also for those looking for inspiration and new creative directions. By exploring best practice for creating within this medium, it provides a core skill set and an invaluable insight into the world of interactive design.

Leading interactive designers describe how their work is created and case studies featuring digital media companies provide professional insights into the world of interactive design.

n esta obra se definen, desde una perspectiva rigurosa y académica, las claves del ejercicio de la crítica cinematográfica actual. “¿Qué es la crítica de cine?” es la contestación a una de las cuestiones más problemáticas de los estudios cinematográficos, que ha sido eludida durante décadas. Esta respuesta se muestra hoy agravada por la imposibilidad de acotar unánimemente los límites de la institución crítica cinematográfica; al igual que el resto de operaciones cuya base es la reflexión cognitiva, la crítica de cine atraviesa una crisis espoleada por una palpable derrota del pensamiento. Sin embargo, este texto actualiza muchos de los lugares comunes de la crítica, ahora superados e incluso olvidados, devolviendo a esta práctica su importancia pasada, negándose a aceptar un pensamiento debilitado como base suprema de esta actividad intelectual.

Además, se describen cinco novedosos modelos críticos que ayudarán al lector a encontrar un estilo propio para enfrentarse al ejercicio evaluador de una película o de cualquier obra de arte. Por ello, se trata de un libro muy útil tanto para estudiantes de Comunicación, Historia del arte, estudios dedicados a la reflexión teórica sobre el cine o docentes especializados en Estética como para todos los amantes del cine en general.

Luis Navarrete Cardero es profesor de Crítica de cine en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla.

Sinopsis

Este libro propone una visión general sobre la cinematografía iraní y constituye la primera publicación en español de textos científicos por autores iraníes y españoles. El lector podrá aproximarse a temas vertebrales de la cultura cinematográfica de Irán, que abarcan desde aspectos relacionados con la evolución histórica del cine o de la música para la pantalla, hasta estudios sobre los personajes y análisis de películas emblemáticas como ¿Dónde está la casa de mi amigo?, El color del paraíso o Nader y Simin, una separación, todo ello acompañado de unas profusas bibliografías y filmografías, así como de entrevistas y diversos materiales gráficos.

Índice de capítulos

Comentarios sobre transliteración y estilo.

Introducción.

El cine iraní y su raigambre socio-cultural.

Una mirada al cine iraní desde sus protagonistas.

Tres generaciones de actrices en el cine iraní.

La música en el cine: aproximaciones a un género propio.

Los personajes de un particular cine iraní: la renovación del arquetipo cuerpo errante de
la literatura persa.

La imagen del niño en el cine iraní: amistad y responsabilidad.

La construcción de las emociones: Nader y Simin, una separación.

Directores en el tercer milenio: propuesta narrativa para un diálogo universal.

Esta obra reúne una serie de textos con los que amigos, colegas y discípulos (entre ellos cineastas como Víctor Erice y Enrique Urbizu) celebran el 65 aniversario de uno de los intelectuales mejor pertrechados de la universidad española. Santos Zunzunegui, licenciado en Derecho y economista por la Universidad de Deusto, catedrático de Comunicación Audiovisual en la Universidad del País Vasco y profesor invitado en numerosas instituciones internacionales (Paris-Sorbonne Nouvelle, École Normale Supérieure, Ginebra, Buenos Aires, etc.), lector insaciable, melómano empedernido y defensor a ultranza del valor del conocimiento y del trabajo intelectual. Los ensayos aquí reunidos abordan, desde esa múltiple perspectiva, la figura del autor de libros tan fundamentales como Pensar la imagen, Metamorfosis de la mirada, Los felices sesenta, Paisajes de la forma o las monografías Robert Bresson y Orson Welles.

Al final, las fotografías sobreviven solas y deben valer por sí mismas, ya sea en el museo o en la página Web. Sin embargo, a veces las historias que se estructuran detrás de su creación pueden enlazarlas y convertirlas en un trabajo inspirador y útil en sí mismo. Éste es un libro de ideas, conceptos y técnicas sobre fotografía; sobre el proceso que conduce a la imagen final. David du Chemin presenta cuatro monográficos con una serie de 31 imágenes en cada uno: Venecia, Islandia, Kenia y la Antártida. Después de mostrar los resultados, el autor nos lleva entre bastidores y nos cuenta las motivaciones que existen detrás de cada proyecto, de cada imagen; analiza una por una, cómo fueron realizadas, la composición y el proceso de creación de las mismas. Un maravilloso compendio de hermosas obras de un consagrado del arte de la fotografía, con todo lo necesario para avanzar en el mundo de la imagen digital. Encontrará nuevas formas de examinar y de mejorar sus habilidades fotográficas para poder crear imágenes con mayor intención y mucho mayor impacto. Consulte el material complementario en la página Web de Anaya Multimedia.

Las sociedades tecnificadas han acumulado una creciente cantidad de imágenes a través de la fotografía, el cine, la televisión, el arte y los nue­vos dispositivos digitales, generando un universo visual: la iconosfera. Esta constituye una compleja red de interacciones que, además de transformar nuestra percepción del mundo, abre un espacio público donde son posibles nuevas relaciones, nuevos puntos de encuentro.
Puntos de encuentro en la iconosfera ofrece al lector un lugar de interrela­ción entre distintos especialistas del sector, donde voces experimentadas entran en diálogo con otras más jóvenes para reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la producción audiovisual. El libro presenta, tanto a nivel temático como estructural, una visión actual, abierta e ineludible del mundo iconosférico en el que vivimos inmersos.

El color es parte integrante de cualquier solución de diseño.

"Elementos de diseño. Fundamentos del color" es un libro esencial para los diseñadores que deseen crear diseños memorables y comunicarse con éxito con su público. En este libro:

– Aprenderá a comunicar con el color de forma eficaz y a integrarlo en la tipografía y en la imagen para influir en el significado y crear un orden.

– Verá cómo utilizar las combinaciones conocidas y los métodos de selección del color en proyectos reales.

– Encontrará cientos de ejemplos en imágenes que ilustran cómo aplicar combinaciones eficaces de color a cualquier proyecto, en todos los medios y en situaciones culturales y geográficas diversas.

– Conocerá los principios básicos de la teoría del color desglosados en directrices claras y practicables.

– Accederá a numerosos consejos prácticos y técnicas para utilizar el color en trabajos de diseño para clientes a través de un texto simple pero instructivo.

– Descubrirá las reglas básicas para trabajar con el color pero también para cuando quiera romper las normas.

El presente volumen reúne una colección de textos procedentes de la obra dispersa de Román Gubern, uno de los más brillantes teóricos de la comunicación audiovisual de nuestro país, centrados en temas relacionados con la imagen y la cultura audiovisual y escritos entre 1981 y 2111, con destino a periódicos, revistas, conferencias, simposios o congresos, catorce de los cuales (es decir, cerca de una cuarta parte de los ofrecidos en este libro) han permanecido hasta ahora inéditos. El volumen está dividido en cuatro apartados: el primero dedicado a teoría e historia del cine; el segundo centrado en el cine norteamericano; el tercero —y más extenso— sobre cine y cultura de masas en España, y el último sobre cultura de la imagen en general y sobre aspectos diversos de las industrias audiovisuales y sus tecnologías. En el período abarcado por esta antología se asistió al nacimiento de la televisión global, a la explosión de las televisiones privadas en Europa, a la despenalización de la pornografía en muchos países occidentales, al tránsito de la imagen analógica a la imagen digital, a la difusión de la telefonía móvil, a la comercialización de la realidad virtual, a la expansión meteórica de Internet y de las redes sociales, al ascenso en el mercado de los videojuegos y a la emergencia de las "tablets" y del libro electrónico. Todos estos temas, y algunos más —como la revolución robótica—, aparecen tratados en algún momento en este corpus heterogéneo de reflexiones, que balizan aspectos fundamentales del tejido cultural en nuestra sociedad posmoderna.