Expresiones audiovisuales

The American independent sector has attracted much attention in recent years, an upsurge of academic work on the subject being accompanied by wider public debate. But many questions remain about how exactly independence should be defined and how its relationship might be understood with other parts of the cinematic landscape, most notably the Hollywood studios. Edited and written by leading authors in the field, American Independent Cinema: indie, indiewood and beyond offers an examination of the field through four sections that range in focus from broad definitions to close focus on particular manifestations of independence. A wide variety of examples are included but within a framework that offers insights into how these are related to one another.

More specifically this collection offers:

an account of recent developments as well as reviewing, reassessing and revising a number of central positions, approaches and arguments relating to various parts of the independent and/or indie sector.
Individual case studies that range from the distinctive qualities of the work of established ‘quality’ filmmakers such as Wes Anderson, Steven Soderbergh and Rebecca Miller to studies of horror genre production at the more ‘disreputable’ end of the independent spectrum.
Examples of the limits of independence available in some cases within Hollywood, including studies of the work of Stanley Kubrick and Hal Ashby.
Case studies of under-researched areas in the margins of American independent cinema, including the Disney nature films and Christian evangelical filmmaking.
A number of wider overview chapters that examine contemporary American independent cinema from a number of perspectives.
Together, the chapters in the collection offer a unique contribution to the study of independent film in the United States.

Contributors: Warren Buckland, Philip Drake, Mark Gallagher, Geoff King, Peter Krämer, Novotny Lawrence, James MacDowell, Claire Molloy, Michael Z. Newman, Alisa Perren, James Russell, Thomas Schatz, Michele Schreiber, Janet Staiger, Yannis Tzioumakis, Sarah Wharton

Este Manual dos tipos é uma introdução a tudo aquilo que qualquer estudante ou profissional de desenho gráfico deve saber sobre tipografia, a fim de desenvolver sensibilidade e conhecimentos tipográficos bem fundamentados.

O livro expõe os princípios básicos da tipografia e suas principais aplicações por meio de uma equilibrada combinação de história, teoria e prática. Assim, o leitor encontrará nestas páginas desde a descrição das partes da letra ou da classificação dos seus diferentes tipos à explicação de como se compõe o texto na página ou de como funcionam os sistemas de grids. Também encontrará uma breve e reveladora história da tipografia, bem como numerosos exemplos e exercícios práticos que visam a ajudar a adquirir um conhecimento experiencial da disciplina.

Baseada na sua segunda e bem-sucedida edição em inglês, esta edição incorpora novos diagramas explicativos e novos materiais sobre composição de textos, escolha de tipos e uso da cor. Além disso, o livro apoia-se em um novo site da web – www.atypeprimer.com (em inglês) – que reúne materiais adicionais e uma série de exercícios práticos.

John Kane es profesor de diseño gráfico y tipografía en la Northeastern University de Boston y en la Rhode Island School of Design. Se dedica profesionalmente al diseño gráfico y a la docencia desde hace más de treinta años, y su trabajo ha sido premiado por distintas instituciones como el American Institute of Architects, el American Institute of Graphic Arts (AIGA) o la Society of Typographic Arts, entre otras.

"A utilização do termo tecno-pedagogia nos convida a pensar sobre o papel das tecnologias de informação nos processos educativo e de aprendizagem e, ao mesmo tempo, na complexidade da relação entre técnica e homem. Muitas vezes tal complexidade foi banalizada pela filosofia e pelas ciências sociais reduzindo-a a uma simples (e talvez conveniente) relação de dominação do sujeito sobre o objeto ou, ao contrário, expressada através da lógica do perigo da dominação do objeto sobre o sujeito." (Massimo Di Felice)

"Tenho trabalhado com a ideia de que, no decorrer dos séculos, as mudanças tecnológicas foram inaugurando modelos educacionais que lhe são próprios. Para não irmos muito longe, assim foi com a tecnologia do livro, na era de Gutenberg que criou o modelo educacional baseado na legitimidade do texto escrito. Então veio, com a cultura de massas, o jornal como auxiliar no processo de documentação histórica e, com a televisão, os telecursos. Desde a aceleração da revolução digital, a educação enfrenta dilemas que só podem ser enfrentados se olharmos de frente para as estratégias pedagógicas que podem ser desenvolvidas em parceria com os dispositivos que o digital não cessa de nos apresentar." (Lucia Santaella)

Director, guionista i productor, Antonio Chavarrías ha tingut sempre la quotidianitat en el punt de mira, encara que la seva filmografia vagi de la mà de morts poc accidentals i crims més propis del cinema negre. El títol de la seva opera prima, Una ombra al jardí, resumia aquest esperit dual, contradictori només a primera vista, que ha marcat la seva filmografia. Els seus personatges, de pel·lícules que van de Manila a Susanna, de Volverás a Las vidas de Celia o Dictado, han seguit jugant amb foc sota l'atenta mirada d'un cineasta a la recerca constant de la veritat en la llum, el so i el rostre de l'actor. Director inquiet, Chavarrías estrena pel·lícula pensant ja en la següent i ho compagina amb una intensa activitat com a productor que deixa oberta la porta d'aquest llibre a unes quantes pàgines més.

El documental contemporáneo despliega la pantalla bidimensional de la televisión o del cine en nuevos formatos en los que el recorrido espacial del espectador por la sala de exposición así como la multiplicidad narrativa o el acceso aleatorio a la información tienen especial incidencia a la hora de concebir y desarrollar nuevos procesos de representación documental. El Documental expandido sugiere, así, nuevas fórmulas y maneras de representación que podemos englobar en un ámbito post-media, es decir, que trasciende las características propias de una única tradición visual para generar un modelo en el que se aúnan el cine, el vídeo, la fotografía, el texto, el sonido, la informática y la instalación. Esta singular estrategia expositiva del documental contemporáneo es consecuencia de un proceso de hibridación motivado por las nuevas tecnologías de la imagen, la búsqueda de nuevos canales de difusión y el desarrollo de lenguajes expresivos ligados a la necesidad de pensar un presente complejo.

Setenta y cinco años después de su estallido, la Guerra Civil española conserva una inusitada actualidad en la vida política nacional y, quizá también por ello, en la parrilla televisiva. Reportajes, documentales y series de ficción se asoman sin descanso a la pequeña pantalla para, como en décadas anteriores, conformar y mantener viva la memoria colectiva e histórica del que aún hoy está considerado como uno de los acontecimientos más trágicos de la historia reciente de España.
La Guerra Civil televisada. La representación de la contienda en la ficción y el documental españoles examina por vez primera de forma diacrónica y global la evolución del discurso histórico sobre la Guerra Civil ofrecido a través de los principales documentales y ficciones de producción propia emitidos a lo largo de la historia de la televisión en España.
Los trabajos que integran esta obra colectiva demuestran, de forma rigurosa y pluridisciplinar, que la representación catódica del conflicto fratricida no se ha mantenido invariable en el tiempo y en el espacio, sino que, por el contrario, las distintas cadenas han ido acomodando su recuerdo a las necesidades políticas, sociales, culturales y televisivas de cada etapa y región histórica.
De este modo, La Guerra Civil televisada reivindica el papel desempeñado por la pequeña pantalla en la socialización política de los españoles acerca de la contienda nacional, al tiempo que desvela los recursos narrativos y retóricos empleados en las distintas producciones para configurar un discurso televisivo sobre la guerra «presentista», heterogéneo y en absoluto neutral.

Are witnesses, jurors, or others in courtrooms distracted by in-court television cameras and their operators? Citing a lack of evidence one way or the other, the US Supreme Court has recommended additional research on the matter. Answering the court’s recommendation, the proof-of-concept study demonstrates for the first time that eye tracking technology can now accurately determine whether courtroom actors look at the television cameras in the courtroom and for how long. In doing so, Television Courtroom Broadcasting opens the door to a new era of research on the effects of in-court distraction.

El fotógrafo neoyorquino Sam Shaw la llamó "la foto que dio la vuelta al mundo". Una de las imágenes más famosas del siglo XX, que muestra a Marilyn Monroe de pie, sobre una rejilla de ventilación del metro, con un vestido blanco levantado por una ráfaga de aire. Una imagen tomada durante el rodaje de La tentación vive arriba, al que había acudido Shaw invitado por Billy Wilder. Shaw, amigo de Monroe desde el rodaje de Viva Zapata, la fotografió hasta su muerte en 1951.

Durante las décadas de 1951 y 1960, todas las estrellas de Hollywood – incluidos Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor, Sophia Loren, Audrey Hepburn, Marlon Brando, John Cassavetes, Anthony Quinn o Woody Allen- pasaron por el objetivo de la cámara del fotógrafo neoyorquino. Shaw prefería las instantáneas improvisadas, sin maquillaje ni posado, y ofreció al público una imagen desconocida de lo que ocurría detrás de los escenarios de Hollywood.

Sus herederos han cedido generosamente 100 de sus mejores fotos para la colección de Reporteros Sin Fronteras, "100 fotos por la libertad de prensa", que ofrece ahora una retrospectiva de la carrera del fotógrafo que ayudó a convertir en leyendas a las mayores estrellas de Hollywood.

El álbum ofrece también una mirada de Ed Ou, ganador del Premio de Corresponsales de Guerra Bayeux Calvados 2012 en la categoría "joven foto-reportero"; una entrevista con el joven fotógrafo congoleño Baudouin Mouanda; y el testimonio de Laurent Van der Stockt del infierno vivido en la ciudad siria de Aleppo, junto con el texto del periodista que le acompañaba, Jean-Philippe Remy. Los recursos obtenidos por la venta de esta colección, con tres publicaciones anuales desde 1992, están destinados a financiar las actividades de Reporteros Sin Fronteras y suponen más del 50% de sus recursos.

Cine documental argentino. Entre el arte, la cultura y la política exhibe un cuidadoso estudio sobre las tendencias que confluyeron a lo largo de la historia del documental argentino. Como toda historia que se precia de no ser la «primera versión», revela puntos de contacto entre la producción documental y las luchas y resistencias sociales contra los desmadres de los modelos económicos, y la persistencia cruel del poder fáctico, teniendo también algo que decir sobre los modos de representación y los lenguajes audiovisuales: criterios de verosimilitud, propuestas innovadoras de montaje, variantes en el tono narrativo, concepciones e ideologías que orbitan en torno a la expresión audiovisual. Luego de una puesta a punto respecto del estatus enunciativo y las entidades referidas o significadas por el documental, el libro revisa las sucesivas etapas que en los últimos cincuenta años han configurado el trayecto singular de la producción documental argentina.

Javier Campo. Investigador en cine doctorando en Ciencias Sociales (UBA). Becario del CONICET. Director de la revista Cine Documental. Profesor de Estética cinematográfica (UNICEN). Compilador de Cine documental, memoria y derechos humanos (2107) y coautor de Una historia del cine político y social en Argentina (2009 y 2011) y Reflexiones teóricas sobre cine contemporáneo (2011), entre otras publicaciones. Miembro del Centro de Investigación y Nuevos Estudios sobre Cine (FFyL-UBA) y del Instituto de Investigaciones Gino Germani (FCS-UBA).

Os filmes de Farkas constituem objeto e fonte nesse livro. Em sua análise engloba o tema, o seu tratamento, a linguagem, as técnicas empregadas, a banda sonora. Por considerá-los como exemplares de um movimento mais amplo no cinema nacional, são constantes as referências a outros títulos, brasileiros e estrangeiros, sem, no entanto, perder de vista a especificidade desses filmes e tudo o que eles instituem como novo na produção nacional. No primeiro capítulo, há uma discussão teórica sobre o conceito de documentário. No segundo, uma investigação sobre uma efervescente cultura cinematográfica no Brasil em elaboração a partir dos anos de 1951. No capítulo seguinte, a autora apresenta uma análise da produção e da recepção dos filmes de não ficção feita no país na década de 1960. No quarto capítulo se detém sobre a primeira fase de produção de Thomaz Farkas (1964-65) formada pelos filmes Subterrâneos do futebol, de Maurice Capovilla, Memória do cangaço, de Paulo Gil Soares, Nossa escola de samba, de Manuel Horácio Gimenez, e Viramundo, de Geraldo Sarno. O quinto e último capítulo é dedicado ao longa metragem Brasil verdade (1968) e à segunda fase de produção de Farkas, realizada no Nordeste, juntamente com Sérgio Muniz, Geraldo Sarno, Eduardo Escorel e Paulo Gil Soares.