Este estudio indaga en las fuentes de la emoción fílmica, en las razones por las que las películas provocan un variado catálogo de sensaciones en su espectador, hacen mella en su ánimo e incluso desatan respuestas somáticas como la risa o el llanto.
Just as the explosive growth of digital media has led to ever-expanding narrative possibilities and practices, so these new electronic modes of storytelling have, in their own turn, demanded a rapid and radical rethinking of narrative theory. This timely volume takes up the challenge, deeply and broadly considering the relationship between digital technology and narrative theory in the face of the changing landscape of computer-mediated communication.
New Narratives reflects the diversity of its subject by bringing together some of the foremost practitioners and theorists of digital narratives. It extends the range of digital subgenres examined by narrative theorists to include forms that have become increasingly prominent, new examples of experimental hypertext, and contemporary video games. The collection also explicitly draws connections between the development of narrative theory, technological innovation, and the use of narratives in particular social and cultural contexts.
Finally, New Narratives focuses on how the tools provided by new technologies may be harnessed to provide new ways of both producing and theorizing narrative. Truly interdisciplinary, the book offers broad coverage of contemporary narrative theory, including frameworks that draw from classical and postclassical narratology, linguistics, and media studies.
Podría existir una "línea general" del cine español: aquella que, partiendo de que el invento tuvo sus orígenes como arte popular y que sólo después fue asumido y rentabilizado por la burguesía, ha dado lugar a un celuloide que se ha hecho eco de los modelos culturales hispánicos, sobresaliendo entre ellos la vertiente populista de la que habían surgido (a partir de la herencia legada por formas medievales, barrocas y decimonónicas) el sainete, el entremés, el vodevil, el juguete cómico, el enredo, la zarzuela, el folletín, el cuadro costumbrista, el astracán y otros géneros menores, sin olvidar la fiesta taurina, el flamenco y otras manifestaciones folclóricas y celebraciones populares, así como la copla, el cuplé, la revista o la música popular. Todo ello ha conformado un modelo heterogéneo y multiforme de una determinada manera de concebir el cine, que más adelante se vería engrosado por otras fórmulas, también populares, "de importación" como el thriller o el western y, posteriormente, por las surgidas de los contemporáneos medios de comunicación de masas.
La actriz y cantante franco-danesa Anna Karina (Copenhague, 22 de septiembre de 1941), ha dejado una huella imborrable a través de sus maravillosas aportaciones en una de las etapas determinantes de la historia del cine francés, en pleno apogeo de ese movimiento conocido como Nouvelle Vague. Ella fue el principal rostro femenino de esa época crucial, y más concretamente del cine trasgresor de un joven Jean-Luc Godard. La trayectoria de Anna Karina incluye una larga filmografía y una interesante intromisión como cantante, dentro y fuera de la pantalla. Por primera vez en nuestro país se realiza un trabajo de estas características de una figura trascendental del cine europeo.
A partir de breves fragmentos de “Historie(s) du cinéma” de Godard, e “Inland Empire”, de Lynch, este libro aborda un discurso sobre la melancolía que va más allá de su detección en personajes o texturas para localizar sus síntomas en la propia historia del cine.
Saturada de imágenes de síntesis –retomadas ahora por el cine- la época actual, de golpe, parece inducir al cine a nuevas búsquedas, al retorno a modalidades arcaicas de simulación como si se tratase de un efecto colateral que prolonga la temática en otras direcciones reconectando el antecedente de viejas prácticas de simulación con los fenómenos más actuales. Quizá no sea exagerado afirmar que es ésta la primera vez que en la historia se da una reflexión –en sentido propio y figurado– tan activa concerniente a la imagen empleando como medio la misma imagen.
Esta publicación se inscribe dentro de las actividades de la Cátedra de Semiótica y de Teoría de la Interpretación. Un grupo de estudiantes de la carrera en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de la República asumió el desafío y lo que aquí se ofrece es el resultado de dos años de trabajo bajo la orientación y el seguimiento atento del equipo docente. Los textos producidos fueron presentados como trabajo de aprobación de la asignatura y suponen la primera exigencia de este tipo que sus autores han enfrentado en el transcurso de sus estudios de grado. Como eso deberían ser juzgados. Allí dejan el testimonio de sus búsquedas, de sus lecturas, de sus posibilidades
La programación televisiva es el marco en el que se sitúan los distintos programas, la referencia de tiempos sobre la que se construye la oferta y un elemento esencial en la definición de la imagen de canal. El panorama actual de la televisión es de una complejidad inusitada, tanto porque se ha ampliado el número de contendientes en lucha por la audiencia, como por los cambios estructurales que se están produciendo en el medio. La digitalización ha traído de la mano nuevos modos de ver y vivir la televisión que están influyendo no sólo en el cómo, dónde y a través de qué aparato recibimos la señal, sino en el papel que debe desempeñar la propia emisora al estructurar su oferta.
Un renovado paisaje audiovisual en el que habrán de coincidir los profesionales de la programación, una oferta atractiva y el público al que va dirigida.
Edorta Arana es profesor del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco.
A Social History of Iranian Cinema, Volume 1
The Artisanal Era, 18971941
“Only a skilled historian who is on the inside of his story could convey so vividly the cinema’s symbolic significance for twentieth-century Iran and the depth with which it is interwoven with its national culture and politics.” ―Laura Mulvey, author of Death 24× a Second: Stillness and the Moving Image
“A Social History of Iranian Cinema is essential reading not only for the cinephile interested in Iran’s unique and rich cinematic history but also for anyone wanting a deeper understanding of the cataclysmic events and metamorphoses that have shaped Iran.” ―Shirin Neshat, director of Women Without Men
Iran’s first commercial film exhibitor viewed film in Great Britain in 1897; three years later, films were introduced in Iran. An artisanal cinema industry sponsored by the ruling shahs and other elites soon emerged. The presence of women, both on the screen and in moviehouses, proved controversial until 1925, when Reza Shah Pahlavi dissolved the Qajar dynasty. Ruling until 1941, Shah Pahlavi was an aggressive modernizer. The state implemented a Westernization program intended to unite and secularize the multicultural, multilingual, and multiethnic country. Cinematic representations of a fast-modernizing Iran were encouraged, the veil was outlawed, and dandies flourished. At the same time, photography, movie production, and movie houses were tightly controlled. Film production ultimately proved marginal to state formation. Only one silent feature film was produced in Iran; the few sound feature films shown in the country before 1941 were made by an Iranian expatriate in India.
A Social History of Iranian Cinema, Volume 2
The Industrializing Years, 1941-1979
Under the rule of Mohammad Reza Shah, from 1941 until 1979, Iranian cinema flourished and became industrialized. At its height, the industry produced more than ninety films each year. The state was instrumental in building the infrastructures of the cinema and television industries, and it instituted a vast apparatus of censorship and patronage. During the Second World War, the Allied powers competed to control the movies shown in Iran. In the following decades, two parallel cinemas emerged: commercial filmfarsi movies exemplified by the entertaining stewpot and tough-guy genres and a smaller but influential cinema of dissent, the new-wave cinema. Ironically, the state funded and censored much of the new-wave cinema, which grew bolder in its criticism as Pahlavi authoritarianism consolidated. Produced by Westernized filmmakers in collaboration with dissident writers, the new-wave cinema did well in international film festivals, beginning the globalization of Iranian cinema.
Este libro apuesta por el visionado de películas como una herramienta pedagógica de primer orden. Su lectura e ilustraciones proporcionan una explicación de cuáles son y cómo funcionan las principales estrategias de lenguaje que emplean los largometrajes cinematográficos a la hora de construir sus historias. Destinado a los futuros narradores audiovisuales que se forman hoy en día en las Facultades de Comunicación Audiovisual y las Escuelas de Cine, su contenido sobrevuela de una forma tanto amena como exhaustiva un buen puñado de obras cinematográficas de todo pelaje y condición, pero siempre estimulantes en el ejercicio del lenguaje del cine que practican.
La retransmisión en directo de los atentados del 11-S contra el World Trade Center no hizo sino confirmar hasta qué punto vivíamos en un mundo condicionado por el imaginario cinematográfico. Lo visto en las pantallas aquel 11 de septiembre de 2101 había sido imaginado en numerosas ocasiones por el cine de Hollywood. Sin embargo, fue precisamente ese mismo cine, en otro tiempo tan «visionario», el que reaccionó tarde y de manera vacilante ante unos atentados que cambiaron el mundo. La que no tardó en ponerse a la altura de las circunstancias fue la ficción televisiva norteamericana. Series como 24, The Shield, Turno de guardia, South Park, Los Soprano, C.S.I., El Ala Oeste de la Casa Blanca o The Wire se apresuraron a tomarle el pulso a la historia y no dudaron en hacer del 11–S, directa, alegórica y hasta sincrónicamente, un motivo dramático más. La ficción televisiva made in USA, lejos de mirar hacia otro lado o asumir, sin más, las «razones» gubernamentales, se apresuró a intentar reformular nuestro vapuleado imaginario a partir de un tema tan delicado, complejo y poliédrico como el del 11-S. Series como Rescue Me o Fringe, nos animan, aún hoy, a seguir hurgando en todas esas heridas colaterales que, lejos de haber cicatrizado definitivamente, continúan todavía escandalosamente abiertas, supurantes y pendientes de diagnóstico. Permanezcan pues atentos a sus pantallas.
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