Expresiones audiovisuales

Un libro de libros. Es más, un libro de libros de foto. “El fotolibro latinoamericano”, de Horacio Fernández, es una pieza única para recuperar en un sólo espacio editorial los libros que dejan constancia gráfica de diversas épocas en Latinoamérica.
Presentado el 28 de octubre, el libro incluye 151 fotolibros publicados desde 1920 hasta la actualidad, una selección hecha tras una investigación de cuatro años presidida por Fernández, con la colaboración de un grupo de investigadores, académicos, fotógrafos y editores, entre los que se encuentran Marcelo Brodsky, Iata Cannabrava, Lesley Martin, Martin Parr y Ramón Reverte.
Publicado por Editorial RM, el libro incluye libros de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, México, Nicaragua, Perú y Venezuela. La publicación está dividida en secciones temáticas como: Ciudad, Arte Conceptual y Fotografía, y Literatura y Fotografía.
El libro se publicó, además de en español, en inglés (con Aperture Foundation y Fundación Televisa), en portugués (Cossac, Naify) y en francés (Imagenes en Manoeuvre).
Durante la presentación, Fernández dijo que a nivel mundial, solamente existen otras dos obras similares, una en Londres y la segunda en Los Ángeles.
Señaló que los fotolibros latinoamericanos pueden igualarse en calidad y fuerza a sus similares de otros continentes.
“El fotolibro es la manera en que la foto se hace pensante”, dijo el autor del texto. De acuerdo al comité de asesores, no se trata de un compendio bibliográfico sino de un estudio crítico que aporta información sobre los autores y el contexto social, cultural y político en que fueron publicados los fotolibros, mostrando la riqueza y complejidad de América Latina y la gran aportación que ésta ha hecho a la historia del género.
Esta obra será presentada a nivel mundial el 10 de noviembre en Le Bal, coincidiendo con Paris Photo 2011.

Las técnicas de realización de obras audiovisuales han evolucionado de forma paralela a los avances tecnológicos. Desde sus inicios en el cine, esta evolución ha supuesto, tanto para el realizador como para su público, la incorporación del guión y del montaje, la creación de dramáticos, la aparición y desarrollo de la televisión, la grabación y reproducción de la noticia, la incorporación de la grabación multicámara, el directo, la revolución digital, la preponderancia de la postproducción y de los efectos especiales, entre otros acontecimientos. En la actualidad, el realizador audiovisual mantiene su parcela de autoría, como siempre, pero es en su capacidad de adaptación a una serie de variables combinables donde muestra su principal impulso creativo. La narración con imágenes y sonidos y otros elementos, como los tipos de formatos, las características de emisión, los géneros empleados, el target de audiencias, la tipología de exhibición de salas, los presupuestos, los equipos, la especificidad de la postproducción y un sinnúmero de otras variables a considerar en la realización, se analizan en el presente texto y encuentran diferentes respuestas mediante entrevistas realizadas a profesionales del medio.

Second-generation Irish musicians have played a vital role in the history of popular music in England.

This book explores the role of Irish ethnicity in the lives and work of these musicians, focusing on three high-profile projects: Kevin Rowland and Dexys Midnight Runners, Shane MacGowan and The Pogues, and Morrissey/Marr and The Smiths. The book locates these musicians in a hyphenated ‘Irish-Englishness’ marked by ‘in-between-ness’ and explores the different ways that they engaged with this in-betweenness through their creative work and their engagements with audiences, the media and the music industry.

The book draws on extensive archival research of print and audio-visual media as well as original interviews with the key figures, including Shane MacGowan, Johnny Marr, Kevin Rowland and Cáit O’Riordan. Combining its assiduous research with fresh critical insights, the book offers new analyses of the musicians, as well as previously undocumented accounts of their lives and work. The book highlights the diversity and complexity of second-generation Irish identities and experience and details the diverse ways in which this generation has shaped popular music in England. Accessible and original, ‘Irish Blood, English Heart’ will be of interest to students and scholars in the fields of popular music, media/cultural studies, and ethnic/migration studies. It will also appeal to a wider audience of those interested in the musicians with whom it deals.

Sean Campbell is Senior Lecturer in the Department of English and Media at Anglia Ruskin in Cambridge, England, and is the co-author of Beautiful Day: 41 Years of Irish Rock (Cork University Press, 2005).

«El discurso del cómic» constituye un excepcional inventario enciclopédico de las convenciones utilizadas en la narrativa dibujada, ilustrado por cerca de mil seiscientas viñetas. En un apasionante recorrido por el acervo de símbolos y recursos lingüísticos utilizados por los cómics, los autores analizan sus convenciones iconográficas, sus elementos literarios y sus técnicas narrativas. Nunca se había llevado a cabo tan esclarecedora disección analítica de este popular medio de expresión, coetáneo del cine y convertido en uno de los pilares de la cultura de masas contemporánea y cantera de mitos cotidianos. Jamás un estudio académico dedicado a los cómics había compilado tan gran número de vistosas ilustraciones, que van desde finales del siglo pasado hasta nuestros días. Ello hace que este libro se pueda leer secuencialmente, se pueda consultar gracias a su ordenación sistemática y su índice de materias, o se pueda recorrer con espíritu lúdico y curioso a la vez, dada la amenidad y rareza de muchas de las imágenes compiladas. A través de este corpus enciclopédico se demuestra que algunas convenciones semióticas y estéticas de los cómics proceden de otros medios de expresión anteriores (como la pintura, la caricatura o la novela), mientras que otras constituyen acuñaciones específicas, que revelan el ingenio de los dibujantes y la sagaz complicidad de sus lectores populares.

A partir de la eclosión de los denominados nuevos cines, la modernidad cinematográfica se institucionalizó modificando el paradigma representativo clásico del cine. El texto propuesto pretende describir las claves contextuales y espaciales del nuevo mapa del cine contemporáneo, especialmente de los últimos treinta años adentrándose en las flamantes geografías fílmicas (asiática, europea, árabe), las nuevas representaciones o lenguajes, la fusión entre ficción y documental o los discursos híbridos globales.

Los años 61 y 90, en la segunda mitad del siglo XX, fueron momentos radicales de crisis hegemónica, de representación, legitimidad, acumulación y vinculación al orden mundial, en los que 1969 y 2001 fueron años que marcaron hitos candentes de alteración social y política. La disrupción del modelo de orden y seguridad integrador de lo social estalló en ambos momentos y se expresó como crisis estructural de sentido, afectando creencias, valores, prácticas e instituciones, erosionando el discurso narrativo hegemónico de lo social. La crisis atravesó el ámbito cultural y la necesidad de atrapar esta realidad y otorgarle nuevos sentidos se expresó en el cine con el auge de la modalidad documental. Esta compilación de artículos realizada por profesores, docentes y estudiantes de la carrera de Sociología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires (UBACYT) busca aportar desde un enfoque socio político histórico al debate sobre el papel y rasgos que fue adoptando la modalidad documental en tales contextos.

Aperture is pleased to present The New York Times Magazine Photographs, edited by Kathy Ryan, which reflects upon and interrogates the very nature of both photography and print magazines at this pivotal moment in their history and evolution. With a preface by former editorial director Gerald Marzorati, this volume presents some of the finest commissioned photographs worldwide in various sections, including reportage, portraiture, style, and conceptual photography, and photo illustration. Diverse in content and sensibility, and consistent in virtuosity, the photographs are accompanied by reproduced tear sheets to allow for the examination of sequencing and the interplay between text and image, simultaneously presenting the work while illuminating its distillation to magazine form. This process is explored further through texts offering behind-the-scenes perspective and anecdotes by the many photographers, writers, editors, and other collaborators whose voices have been a part of the magazine over the years.

Desde que las tipografías se mudaron a la barra de herramientas del ordenador todos comenzamos a tener una opinión sobre ellas. Hoy es imposible ignorar su poder, su omnipresencia en las marcas que nos rodean o el carácter que imprimen a nuestros textos. Y si no, ¿por qué despierta tantas antipatías el uso de Comic Sans? ¿A qué se debió el revuelo causado cuando Ikea fue infiel a Futura con Verdana? ¿Por qué Obama decidió optar por la Gotham como su distintivo gráfico? ¿Qué hace que una tipografía «funcione»?

Este divertido libro, profusamente ilustrado, cuenta la historia de más de doscientas fuentes desde su nacimiento ―y en algunos casos hasta su muerte― a través de anécdotas sobre su empleo, sus creadores y sus usuarios. Garfield explica los fenómenos que hay detrás del dominio de fuentes como Helvética o Times New Roman o del odio hacia otras como Papyrus. Es mi tipo tiene todas las respuestas para quienes alguna vez se preguntaron qué tienen en común EasyJet y los Beach Boys, cuál es la tipografía favorita de Hollywood o si, como las personas, algunas fuentes son de Marte y otras son de Venus.

PARTE 1: FUNDAMENTOS
• Capítulo 1: Por qué visualizar: de la información a la sabiduría
• Capítulo 2: Forma y función: la visualización como tecnología
• Capítulo 3: La paradoja de la belleza: arte y eficacia comunicativa
• Capítulo 4: Exposición, exploración y el desafío de la complejidad

PARTE 2: HISTORIA
• Capítulo 5: Aquí hay dragones: sobre los orígenes de los mapas
• Capítulo 6: Luces de la razón: el nacimiento de la ilustración científica
• Capítulo 7: Un ingeniero escocés y un siglo de revoluciones

PARTE 3: COGNICIÓN
• Capítulo 8: El ojo y el cerebro visual
• Capítulo 9: La percepción no sentida
• Capítulo 11: Imágenes en la mente

APÉNDICE:
• El proceso de creación de gráficos informativos

Using the history of the British holiday as a framework, Matthew Kerry offers a refreshing insight into a previously neglected area of popular British cinema – the holiday film. Looking at key films from the silent period to the recent past, Kerry considers how these representations may reinforce feelings of national identity. The book includes production histories and textual analyses of films such as A Seaside Girl (1917), Holiday Camp (1947), Summer Holiday (1963), and Bhaji on the Beach (1993), and provides an exploration of their social function