Expresiones audiovisuales

No es un libro más sobre cine. Ni siquiera es un libro más sobre cine de José Pablo Feinmann, quien ya escribió Pasiones del celuloide y El cine por asalto. Es que en esta ocasión el autor no se limita a hablarnos de las películas que ama y las que detesta, de los grandes directores y actores, de los mejores guiones y las más bellas musicalizaciones, de los momentos insuperables de la historia del cine. No, en este libro nos habla, apenas, de la condición humana, sólo que lo hace a través del cine. Y entonces nos asomamos a la inmortalidad de la mano de la mano de Drácula, a la moral con A la hora señalada, a Dios y la religión con Crímenes y pecados, a los tabúes con Cuéntame tu vida, al sentido de la justicia con Batman, al sexo con El cartero llama dos veces, al miedo al diferente con La guerras de los mundos, a la guerra con Apocalypse Now, al nazismo con La caída de los dioses, al rol de los medios con The Truman Show, al capitalismo con Lo que el viento se llevó y a la fase salvaje del capitalismo con Wall Street, a la cuestión del poder no ya con Hamlet sino con El Rey León. Parafraseando a Hitchcock podemos asegurar que este libro es, como el cine, la vida sin las partes aburridas, con la profundidad habitual de Feinmann y un mensaje esperanzador. Porque, ya se sabe, "siempre nos quedará París", como Bogart le dice a Bergman en el final de Casablanca.

Tod Browning es uno de los grandes cineastas de principios del siglo XX. Aunque a menudo se le ha querido etiquetar, e infravalorar por ciertos círculos cinéfilos, como director de cine de terror, una mirada atenta a sus películas demuestra que no se limita a manejar con soltura los elementos artesanales afines al género, sino que hay en él una profunda preocupación humana, una visión existencialista casi siempre desgarradora. Aun­que perdida en buena parte, la filmografía de Brown­ing ofrece claves suficientes para dilucidar sus intenciones como creador. Con una biografía rica en vivencias extravagantes, Tod Browning sigue siendo hoy un hombre enigmático. Su obra, pesimista, repleta de seres deformes (física y mentalmente), atormentados y solitarios, cargada de dolor y rabia, se revela como una de las más personales, auténticas e irrepetibles de las que haya dado nunca el cine norteamericano.

James Whale (Dudley Staffs, 22 de julio de 1889 – Los Ángeles, 29 de mayo de 1957) fue un director de cine inglés.

Iniciado en el teatro, en 1931 se mudó a los Estados Unidos, donde destacó en el cine de terror. Se retiró del cine en los años 1940. James Whale fue un innovador del cine de Hollywood, aunque es especialmente conocido por sus películas de terror Frankenstein, La novia de Frankenstein, o El hombre invisible.

Films are not only visual, they are visceral; they allow an audience to feel the unfolding drama and psychologically connect with the characters. Even for the screenwriter, the experience of writing a film can be deeply moving, where a range of character emotions are assimilated and poured back into the narrative. Written specifically from a screenwriting perspective, this book explores the idea that the protagonist's narrative journey is also experienced by the audience, and comprises two individual yet interwoven threads: the physical journey and the emotional journey. With detailed case studies of the films Muriel's Wedding, Little Voice, Cars, Forgetting Sarah Marshall, Sunshine Cleaning and Up, the book provides a redefined version of the Hero's Journey screenwriting model that will help writers to amplify the emotional power of their screenplays.

Michael Mann has delivered some of the most intelligent and complex Hollywood films of recent decades, including Manhunter, Heat, The Insider and Collateral. This book argues that the films of this important director are best understood as existential dramas, engaging critically with existentialist philosophy and its place within the societies Michael Mann depicts. His protagonists exhibit both the benefits and difficulties of an existential way of life, especially problems with social engagement experienced by the conflicted male characters. From Thief to The Last of the Mohicans and Miami Vice, this study illuminates the philosophical complexities of Michael Mann's films.

Analisa a imagem e sua produção, desde seus primórdios, passando pelo Renascimento e chegando à fotografia, ao cinema, à arquitetura, à publicidade, aos quadrinhos e à realidade virtual. Em nove capítulos o autor aponta caminhos de reflexão e ação, os vínculos entre a visão e o corpo, as imagens técnicas, as máquinas, as redes e a relação texto/imagem, entre outros temas.

Este estudio indaga en las fuentes de la emoción fílmica, en las ra­zones por las que las películas provocan un variado catálogo de sensaciones en su espectador, ha­cen mella en su ánimo e incluso de­satan respuestas somáticas como la risa o el llanto.

Just as the explosive growth of digital media has led to ever-expanding narrative possibilities and practices, so these new electronic modes of storytelling have, in their own turn, demanded a rapid and radical rethinking of narrative theory. This timely volume takes up the challenge, deeply and broadly considering the relationship between digital technology and narrative theory in the face of the changing landscape of computer-mediated communication.

New Narratives reflects the diversity of its subject by bringing together some of the foremost practitioners and theorists of digital narratives. It extends the range of digital subgenres examined by narrative theorists to include forms that have become increasingly prominent, new examples of experimental hypertext, and contemporary video games. The collection also explicitly draws connections between the development of narrative theory, technological innovation, and the use of narratives in particular social and cultural contexts.

Finally, New Narratives focuses on how the tools provided by new technologies may be harnessed to provide new ways of both producing and theorizing narrative. Truly interdisciplinary, the book offers broad coverage of contemporary narrative theory, including frameworks that draw from classical and postclassical narratology, linguistics, and media studies.

Podría existir una "línea general" del cine español: aquella que, partiendo de que el invento tuvo sus orígenes como arte popular y que sólo después fue asumido y rentabilizado por la burguesía, ha dado lugar a un celuloide que se ha hecho eco de los modelos culturales hispánicos, sobresaliendo entre ellos la vertiente populista de la que habían surgido (a partir de la herencia legada por formas medievales, barrocas y decimonónicas) el sainete, el entremés, el vodevil, el juguete cómico, el enredo, la zarzuela, el folletín, el cuadro costumbrista, el astracán y otros géneros menores, sin olvidar la fiesta taurina, el flamenco y otras manifestaciones folclóricas y celebraciones populares, así como la copla, el cuplé, la revista o la música popular. Todo ello ha conformado un modelo heterogéneo y multiforme de una determinada manera de concebir el cine, que más adelante se vería engrosado por otras fórmulas, también populares, "de importación" como el thriller o el western y, posteriormente, por las surgidas de los contemporáneos medios de comunicación de masas.

La actriz y cantante franco-danesa Anna Karina (Copenhague, 22 de septiembre de 1941), ha dejado una huella imborrable a través de sus maravillosas aportaciones en una de las etapas determinantes de la historia del cine francés, en pleno apogeo de ese movimiento conocido como Nouvelle Vague. Ella fue el principal rostro femenino de esa época crucial, y más concretamente del cine trasgresor de un joven Jean-Luc Godard. La trayectoria de Anna Karina incluye una larga filmografía y una interesante intromisión como cantante, dentro y fuera de la pantalla. Por primera vez en nuestro país se realiza un trabajo de estas características de una figura trascendental del cine europeo.