Expresiones audiovisuales

La rugosa densidad de la obra artística de Francisco Regueiro (Valladolid, 1934), uno de los más singulares creadores españoles de la segunda mitad del siglo XX, no puede ser reivindicada de manera más eficaz que a través del análisis formal, pausado y profundo, de sus trabajos audiovisuales (cinematográficos y televisivos) y pictóricos. Y ese es, en definitiva, el propósito de este libro: proceder al análisis detallado de su obra y encontrar en él el auténtico valor de la constante referencia de la crítica a sus influencias pictóricas (Zurbarán, Goya, Solana…), literarias (la novela picaresca, Galdós, Gómez de la Serna, Valle-Inclán, Fernández Flórez…., por citar solo las de la literatura española) o fílmicas (de Luis Buñuel y Luis García Berlanga a Alfred Hitchcock…); a la candente fusión que su obra destila entre lo trágico y lo grotesco, lo lírico y lo tremendista, lo intimista y lo cruel; al intransferible y dolorido surrealismo ibérico que obtiene del crisol de elementos heterogéneos algunos de sus más punzantes y brutales chispazos estéticos.
Partiendo pues de análisis detenidos de sus películas y pinturas, tratamos de aproximarnos con rigor a los sentidos de las complejas y transgresoras iconografías reguerianas -¡esa Mujer monstruosa y deseante y su coño “provinciano”!-, a las constantes semánticas de su “cosmovisión” (de nuevo con la mujer y la provincia como puntos de partida, familiares y opresivas, “creadoras” de un antihéroe infantilizado e incestuoso), a la espesa naturalidad con la que, en su obra, se amalgaman, cual lúcido vómito esperpéntico, la represión familiar y la de la dictadura, la de su recurrente personaje-niño simbólicamente limitado y la de la sociedad española incapaz de desenvolverse en libertad.
El gran cineasta vallisoletano nos ofrece otro discurso sobre las miserias de nuestra historia contemporánea, pero uno parido con talento y dolor desde sus obsesiones personales. Y la familia y el matrimonio, cédulas primarias del nacional-catolicismo franquista, son en él, y simultáneamente, el marco de su mirada corrosiva y el primigenio motivo de su ensoñación, a la vez desconsolada y humorística, lúdica y dolorosa.

Documentary remains a vital and dynamic media form, one that has persisted through decades of change in patterns of media production, distribution and reception, from its early conception in silent filmmaking, through 'new' media such as television, to the current explosion of digital platforms. New generations of documentary filmmakers, multimedia designers, online curators and social media aggregators are exploring the challenges and opportunities of a digital environment characterised as collaborative, participatory, and interactive. This book provides a unique collection of recent research into the ways in which these digital producers are adopting the 'documentary project' across digital platforms, developing new documentary practices and providing distinctive new ways for audiences to engage with reality.

¿Qué diferencia hay entre las comillas latinas («»), inglesas (“”), simples (‘’), mecanográficas (") y la doble prima ('')? ¿Cuándo debemos usar cada una de ellas? ¿Cómo distinguir entre el guión (-), la raya (—) y el signo menos (–)? ¿Cómo se destaca una palabra en un titular? ¿En cursiva, en negrita, «entre comillas»?

Si eres diseñador gráfico y en alguna ocasión te has topado con alguna de estas dudas, este es tu libro: el primer manual de ortotipografía pensado específicamente para los profesionales del diseño. La palabra ortotipografía refiere al conjunto de reglas que determinan el uso lingüísticamente correcto de la tipografía. Para el profesional de la comunicación su conocimiento es imprescindible, no solo para saber aplicar sus normas con corrección, sino también para poder explotar con rigor el potencial expresivo —visual y lingüístico— de cualquier familia tipográfica.

Con un estilo ameno y directo y el apoyo de una amplísima muestra de ejemplos, este libro aborda los problemas y dudas ortotipográficos que suelen asaltar con más frecuencia al diseñador e incide en las cuestiones de diseño que se solapan con la corrección ortotipográfica. Esta guía se convertirá en un manual de cabecera imprescindible para el profesional de la comunicación gráfica.

Raquel Marín Álvarez (Logroño, 1978) es licenciada en Humanidades y diseñadora gráfica. Tras cursar un máster en tipografía avanzada en la Universidad Autónoma de Barcelona, comenzó a trabajar como diseñadora para diversos estudios y editoriales hasta que en 2109 fundó Lalolagráfica, un estudio de diseño gráfico especializado en diseño editorial y tipografía.

La cinematografía es cultura y ésta se encuentra en el eje de las transformaciones históricas de la sociedad. La digitalización, con las transformaciones económicas y tecnológicas que implica, está cambiando el panorama en todos los estratos de su cadena de valor, producción, distribución y exhibición, por lo que el modelo de negocio y las políticas públicas que sostienen esta industria cultural deben adaptarse. Las investigaciones de este libro plantean que los gobiernos, de cinematografías pequeñas como las latinoamericanas, deben contar con herramientas suficientes para definir y ejecutar sus políticas del audiovisual y no dejar en manos del mercado parte del futuro cultural de sus países.
Con la colaboración de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) se ha podido desarrollar un trabajo colectivo en el que se analiza la situación de seis cinematografías latinoamericanas totalmente diferentes (Argentina, Bolivia, Brasil, México, Paraguay y Uruguay) en aspectos relacionados con el fomento a la producción, la creación, la difusión, las nuevas tecnologías y ios derechos de autor en el nuevo espacio digital.
Los textos que componen este libro analizan el cine como medio de comunicación, como "artefacto cultural" que transforma las sociedades y como elemento clave para la diversidad cultural. Los contenidos de esta potente industria cultural deben ser preservados como un bien público, y los Estados deben asumir un rol activo en la generación y difusión de los mismos, con el objetivo de impulsar los audiovisuales nacionales como uno de los pilares más importantes para el desarrollo en las sociedades del siglo XXI.
Desde siempre, la sociedad se ha alimentado de ficciones, y así lo seguirá haciendo aunque sea a través de nuevos instrumentos y de nuevos modos de consumo. Para no romper el vínculo entre pasado y futuro los profesionales deben seguir construyendo historias y los países deben generar estructuras de apoyo para preservar este bien común.

Cortometrajes de Kimuak. Semillas del cine vasco describe el funcionamiento y el desarrollo de una iniciativa pública que ha llegado a convertirse en sello o distintivo de calidad para los festivales y circuitos de todo el mundo en los que se ha exhibido su selección de cortometrajes.
El estudio de las líneas temáticas y las corrientes estéticas de las películas del catálogo ofrece un rico panorama que coincide plenamente con la evolución de las corrientes y tendencias del cine contemporáneo. No obstante, el núcleo duro de estas páginas se halla en el análisis fílmico de los trabajos de los dieciséis directores y creadores más destacados que han formado parte de las primeras quince ediciones de Kimuak.

La radio comunitaria es una experiencia que fomenta el cooperativismo escolar, entendido como una asociación entre estudiantes que se ayudan mutuamente para conseguir un bienestar común. Este recurso pedagógico se caracteriza por ser un medio que genera la participación, la unión y permite intercambiar lo que somos y lo que queremos, da rienda suelta a la creatividad, a la búsqueda de fines comunes, para ser solidarios, autóctonos, favorece el desarrollo social y la convivencia ciudadana pacífica y en últimas, para ser venezolanos gestores de la cooperación escolar, y desde esta experiencia formar en valores ciudadanos.

Infographics and data visualization design is a discipline encompassing a variety of fields. Meanwhile, it is a useful branch of design in practicality. It uses a narrative, analytical design language in the process of conception. The book explores approaches to infographics and data visualization design, and also the artistic value in it. With a large number of the latest projects, the book showcases this “global visual language”. Readers can directly learn from these projects how to visualize and simplify complex information systematically. Though dedicated to finding a shortcut to infographics and data visualization design, the book encourages designers to exercise infinite creativity and produce original works with their own identity.

La fotografía urbana, conocida en inglés como Street Photography, es un género cada vez más popular; como su nombre indica, es una manera de capturar la vida en las calles de las ciudades. A pesar de ser una categoría veterana dentro de la historia de la fotografía, hoy en día está experimentando un extraordinario renacer gracias al entusiasmo de muchos aficionados.

Una de las principales dificultades de la fotografía callejera se encuentra en alcanzar resultados óptimos en un escenario tan dinámico, tan inestable, con una luz tan variable. Otra dificultad estriba en el miedo a fotografiar desconocidos. La timidez en el instante de apuntar y disparar a personas anónimas, así como aproximarse a ellas, limita nuestras posibilidades de capturar imágenes espontáneas.

Este libro ofrece las claves para dominar las técnicas y estrategias de la fotografía urbana. Aprenda a elegir el equipo adecuado, configurar su cámara, localizar los escenarios y objetivos. Pierda el miedo a fotografiar viandantes. Logre, finalmente, capturar momentos únicos, irrepetibles, de gran impacto.

La Cámara Indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum Photos es el resultado, en sus 116 fotografías, del trabajo de recuperación de una amplia selección de imágenes relacionadas con rodajes de películas legendarias como Candilejas, La tentación vive arriba, Rebelde sin causa, Moby Dick, De repente el último verano, El Álamo, El proceso, El planeta de los simios, Lo importante es amar y Muerte de un viajante.

Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, John Wayne, Gregory Peck, Katharine Hepburn y James Dean; los directores Charles Chaplin, Orson Welles, Billy Wilder o John Huston aparecen con otra mirada en pleno proceso de producción de sus películas. Todos ellos inmortalizados por fotógrafos-artistas de la importancia de Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Cornell Capa, Eve Arnold, Inge Morath, Bruce Davidson o W. Eugene Smith.

La agencia Magnum Photos, que Capa y Cartier-Bresson fundaron en 1947 como la primera cooperativa fotográfica de la historia, es una de las más importantes del mundo. Su creación marcó un hito en el desarrollo del fotoperiodismo al unir los conceptos de reportero y artista.

The Last Great American Picture Show brings together essays by scholars and writers who chart the changing evaluations of the American cinema of the 1971s, sometimes referred to as the decade of the lost generation, but now more and more recognized as the first New Hollywood, without which the cinema of Francis Coppola, Steven Spielberg, Robert Zemeckis, Tim Burton or Quentin Tarantino could not have come into existence.
Identified with directors such as Sam Peckinpah, Arthur Penn, Peter Bogdanovich, Monte Hellman, Bob Rafelson, Hal Ashby, Robert Altman and James Toback, American cinema of the 1970s is long overdue for this re-evaluation. Many of the films have not only come back from oblivion, as the benchmark for new directorial talents. They have also become cult films in the video shops and the classics of film courses all over the world.